村上隆とスーパーフラット｜《727》から《五百羅漢図》まで

浮世絵とアニメ、美術館の絵画とブランドのバッグ。普段は別々に扱われるものを、同じ視野に入れると何が見えるだろうか。村上隆の「スーパーフラット」は、日本の絵画と現代の視覚文化を結びつけて考えるための提案だ。

ただし、日本美術のすべてが一つの性質で説明できるわけではない。ここでは、理論が提示する見方と、作品・展覧会の記録で確かめられる事実を分けてたどっていく。

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この記事でわかること

スーパーフラットは、日本の絵画をどう読み直したか

2000年に提示されたスーパーフラット理論では、日本の過去の絵画と、戦後の漫画・アニメなどに見られる平面性が結びつけられた。北斎の版画と金田伊功のアニメーションを、連続した視覚文化として捉える見方である。

これは「西洋は立体、日本は平面」という例外のない法則ではない。異なる時代の作品を並べ、平面の上で視線がどう動くかを考える、村上の理論として読みたい。

MOCAの公式記録によれば、村上が企画した同館の「Superflat」展は2001年1月14日〜5月27日。理論の年と展覧会の年は異なる。

平面性を作品で確かめる

陰影の少なさだけでなく、輪郭、色面、視線の流れを比べてみよう。鈴木春信の錦絵も比較の入口になる。

MoMAの《727》の画像を見ると、三面にわたる波の形と、赤い目、鋭い歯のMr.DOBが目に入る。1996年の作品だ。MoMAは波の形に北斎とのつながりを指摘している。上の北斎の版画と、輪郭やうねりを見比べてみたい。

Mr.DOBの誕生は1993年。絵画や商品で形を変えながら反復する姿を、同館は作家の分身のような存在と説明している。

MoMAによれば、《727》の背景は約20層のアクリル絵具を重ね、研磨して作られた。見た目の平面性と、材料の層の厚みは別の話だ。日本画を思わせる仕上がりでも、素材はアクリル絵具なのである。

1996年の作品が、2000年の理論に先行している点も興味深い。完成した作品と、後に与えられた理論の言葉を行き来して読むと、見え方が変わってくる。

所蔵と評価を区別する

美術館に収蔵されたという事実だけから「西洋の常識を覆した」とは断定できない。所蔵の記録、所蔵館の説明、鑑賞者の読みを区別したい。

ルイ・ヴィトンとの最初のコラボレーションは2003年。2025年には、当初のコレクションを読み直すリエディションが発表された。両方の年はLVMHの公式発表で確認できる。

絵を商品に印刷した、という一点だけでなく、モチーフが使う人の身体や街へ移動し、目に触れる場所が変わることに注目してみよう。ウォーホルとも、美術と商品の関係や時代ごとの違いを比べてみたい。

《五百羅漢図》（2012年）は、高さ約3メートル、全長100メートルの作品。青竜・白虎・朱雀・玄武の名を冠する四面に、羅漢や霊獣などが描かれる。

森美術館の作品画像・解説は、東日本大震災を経て、苦しみと希望をめぐる五百羅漢の主題が作家に切実な意味を持ったことを伝えている。

同館によると、2012年のドーハでの展示時には「玄武」の一部が未完成で、その後加筆された完成版が森美術館で初公開された。森美術館での会期は2015年10月31日〜2016年3月6日。作品年が一つ示されていても、制作が一度で終わるとは限らない。

村上の活動を「日本美術の本質がそのまま現代へ続いた」と説明すると、時代や作品の違いが薄れてしまう。過去の図像を選び、描き直し、別の場所へ置く。その選択に目を向けると、継承は作り変える行為として見えてくる。

アニメと名画の交差を扱った記事とあわせて、どの形が受け継がれ、どこが変わったのかを比べてみたい。スーパーフラットも、その比較を始めるための一つの見方なのである。